A

de andamento, ou movimento. Movement, em inglês. A velocidade, o passo, a forma como a música nos embala. Designa normalmente uma secção de uma determinada obra como uma sonata, uma suite uma sinfonia. Tem este nome porque a música é movimento. Porque a primeira sensação que temos ao escutá-la é exatamente esse sentir compassado de ir ao som de, esse sentir que nos atravessa os músculos e que por vezes nos faz, involuntariamente, bater o dedo, o pé, abanar a cabeça.

B

de Biesta. Gert Biesta. Filósofo, Educador, Professor na Brunel University em Londres. Um discurso novo sobre a educação, e escola, os professores, tão próprio para os dias de hoje. Confronta-nos com os nossos conceitos enraizados de democracia e inclusão. Propõe que repensemos a questão da opressão e da liberdade do aluno à luz de filósofos como Rancière. Imprescindível para todos os educadores, inclusive os de música. Ruth Wight faz um trabalho notável nesta aproximação de Biesta à música e ao que poderá ser aquilo que Biesta denomina de Pedagogia de Interrupção. Vejam o artigo em http://act.maydaygroup.org/articles/Wright13_1.pdf

C

de colaboração e criatividade. Dois conceitos que nem sempre andam juntos. Temos a tendência para associar a criatividade ao grande génio solitário, mas a verdade é que cada vez mais se aponta para o facto de que, mesmo estes génios, muitas vezes trabalhavam em parceria, expunham e dialogavam sobre o seu trabalho com mais alguém, alguém próximo, fonte inesgotável de ideias. Em Inglês usa-se o termo Collaborative Criativity, um conceito recente, mas indispensável para compreender fenómenos como o jazz, as bandas rock, ou a improvisação e composição dos nossos alunos, quando é feita em grupos. Em breve publicarei um artigo no British Journal of Music Education que fala sobre isto... Estejam atentos!

D

de Damásio. Comecei a ler Damásio com 16 anos. O livro que li primeiro foi “O sentimento de Si”. Percebi muito pouco e vi de imediato que tinha de ir à fonte, ao seu primeiro livro, “O erro de Descartes”. Deixei-me fascinar e de imediato comecei a estabelecer pontes diversas entre esta teoria das emoções e sentimentos, a música e a educação. Continuei a estudar, li todos os livros e muitos artigos. O resultado desta senda está em parte na minha tese de Doutoramento: https://ria.ua.pt/handle/10773/9066

E

de entrada. Aquele momento que antecede a luz, que antecede o início da música. Silêncio. Normalmente alguém dá um sinal com a cabeça, faz uma pequena respiração que indica “Vamos começar”. É um dos momentos de maior ansiedade para os músicos, e também para o público. Mas nem sempre é preciso um gesto. Sérgio e Odair Assad, dois guitarristas virtuosos, irmãos, contavam que ensaiavam estas entradas de olhos fechados, ou então em partes diferentes da casa. Dizem eles que é algo que se sente, que se sabe.

F

de flamenco. Música que remonta a origens ciganas e mouriscas. A guitarra, a percussão, a dança, tudo se junta num arrepio feroz de expressão de uma cultura. Ritmicamente muito denso, convida à dança e ao movimento. As melodias desenham-se não raramente à volta da escala menor harmónica, o que lhe traz aquele tom de dramatismo e fatalidade. Um dos maiores expoentes, músico que muito admiro: Paco de Lucia.

G

de guitarra. O instrumento que toco, tantas vezes chamado de viola. O termo viola é importado do Brasil onde chamam à guitarra “violão”. Mas a guitarra não é uma viola. A viola (de arco) é um instrumento de orquestra, um pouco maior que o violino, com uma tessitura que se encontra entre este e o violoncelo. A guitarra é o instrumento que todos conhecemos especialmente devido à sua divulgação no mundo popular, com seis cordas, e uma ampla caixa de ressonância. Mas não é só da música popular que se faz a guitarra. Há um reportório extensíssimo dentro da música erudita, que foi sempre muito apreciado por todos os músicos, entre eles, o compositor Schumann.

H

de harpa. Dizem ser um instrumento com um som muito semelhante ao da guitarra. As cordas são dedilhadas, tal como a guitarra, mas às cordas, nas harpas modernas, junta-se uma panfernália de pedais que ao serem pressionados, encurtam cada corda num meio tom ou num tom completo, permitindo assim que a harpa possa passar por todas as tonalidades. Instrumento fascinante, não deixa ninguém indiferente aos seus largos glissandos, que tantas vezes evocam um estado melancólico e sonhador nos ouvintes.

I

de improvisação. Assim se designam os diálogos musicais, a conversa que flui entre os músicos, quando estes tocam em conjunto sem que todas as frases musicais estejam previamente pensadas. É a essência da música, que remontará às formas mais ancestrais do fazer musical: a pergunta resposta, “o give and take”, a música criada e pensada no momento. Hoje em dia volta a ganhar lugar entre alguns compositores contemporâneos eruditos, que designam nas partituras espaços específicos para os músicos improvisarem. Mas nunca perdeu o seu lugar em músicas como o jazz, o blues, e certas correntes da música pop-rock.

J

de Jaqueline du Pré. Jaqueline fala através do violoncelo. Os dois cruzam-se e tornam-se um só. Ficou famosa pela sua interpretação do Concerto de Elgar, que escutei pela primeira vez, e tocado por esta senhora, ainda adolescente. Nunca mais me esqueci da forte impressão que me causou, parecia que a estava a escutar ao vivo, ouvia-se a respiração, o arco a tocar nas cordas. O romantismo mais profundo ali, nas mãos de uma violoncelista tão nova, que morreu prematuramente de cancro. É uma interpretação obrigatória para qualquer pessoa que ame a música.

K

de Koln Comcert: Lembro-me de dizer aos meus alunos “Este concerto é todo improvisado”. Lembro-me do espanto deles, a acompanharem no youtube todos os movimentos da música genial de Keith Jarrett, todos as nuances, todas as respirações. O concerto continua a deixar marcas a cada nova geração que passa e acredito que nunca irá morrer.

L

de Landays: Poemas de mulheres Afegãs, construídos e partilhados quase na clandestinidade. São gritos dirigidos aos homens e à cultura masculina dominante. São poemas ditos, cantados, normalmente ao ritmo do bater de uma mão. São compostos apenas por dois versos, o primeiro normalmente com nove sílabas e o segundo com 13. Falam da guerra, da separação, do amor, do luto. Encontrei-os no livro “A voz secreta das mulheres afegãs: O suicídio e o canto” de Sayd Bahodine Majrouh, editado pela Cavalo de ferro.

M

de metrónomo: O inimigo de todos os músicos. Porque cada um tem o seu tempo, a sua forma particular de sentir a pulsação. Criado a bem do rigor, é no entanto imprescindível para o trabalho de peças com indicações muito precisas quanto ao tempo e também para música de conjunto, qualquer que ela seja.

N

de notação. Durante anos foi vista como uma das coisas mais importantes a aprender na aula de música, mas depressa se percebeu que não poderia vir antes do resto. Do tocar, do cantar, do mexer nos sons. Tal como a escrita e a leitura não surgem antes da fala. E depressa se percebeu também que quem a aprende tem de perceber o seu propósito. Por isso hoje se fala da notação inventada, que surge muitas vezes a partir das próprias composições criadas pelas crianças. Surge por necessidade. Ou para que ninguém se esqueça do que foi composto, ou para a poder mostrar a alguém. E aí, sim, faz todo o sentido. E desta notação inventada, se pode então partir para a tradicional fazendo pontes, estabelecendo relações.

O

de "Orelhudo". Projeto do Serviço Educativo da Casa da Música que se destina a divulgar e a promover a audição e a apreciação musical em Escolas do 1º Ciclo. Tratam-se de 90 segundos de música diários, de todos os estilos e épocas, que vêm acompanhados, não só de informações relevantes quanto à peça escutada, como a algumas de atividades relacionadas com a mesma. Para todos os que querem começar a introduzir música na sua aula, parece-me ideal. E apela-se à criatividade de todos os professores na criação/desenvolvimento de novas atividades! Procurem aqui: http://orelhudo.casadamusica.com/

P

de Paynter. John Paynter. Compositor e Educador Inglês, lutou nas décadas de 60 e 70 por uma Educação Musical em que a criatividade ocupasse um espaço mais amplo nas vivências musicais das crianças. No seu mais famoso livro Sound and Silence (1970) refere-se ao “fazer música”, como uma resposta à vida e ao mundo que nos rodeia. Porque se trata de uma arte, esta resposta é criativa, expressão de sentimentos através de materiais moldáveis pela imaginação das crianças. Paynter desenvolve uma filosofia baseada na enação criativa com materiais musicais, na exploração de técnicas utilizadas por compositores contemporâneos e numa visão do professor como guia e facilitador.

Q

de quadrivium. Nem sempre a música esteve relegada para segundo plano. Muito pelo contrário. Na Grécia antiga e na Idade Média, ela fazia parte do quadrivium, que, juntamente com a aritmética, a geometria e a astronomia, consistia no conjunto de disciplinas obrigatórias no início dos estudos Universitários. Nesta altura, a música era estudada a partir dos seus intervalos, de forma a compreender de teoricamente e a nível prático as relações entre as notas, e de que forma estas evoluem em padrões musicais.

R

de Reijsegerr. Ernst Reijseger, um dos maiores violoncelistas do nosso tempo. Um virtuoso, que teve sempre bastantes problemas com os seus professores, já que olhava para o seu instrumento de forma aberta e criativa. Quis sempre explorar outros sons, outras formas de olhar e tocar o violoncelo. Nos workshops que dá a crianças e jovens leva-os numa viagem em que os conceitos mais básicos ligados à técnica e interpretação de violoncelo são totalmente desconstruídos, e em que a cada um é oferecida a possibilidade de encontrar a sua própria voz na ligação com este instrumento (http://ernstreijseger.com/).

S

de Soundscape, ou paisagem sonora, foi um termo introduzido pelo compositor Murray Schaffer. A Soundscape é o som, ou conjunto de sons que emergem de uma imersão sonora num determinado ambiente, natural ou criado por seres humanos. Em termos educativos é um conceito que convida as crianças e jovens a escutar, arquivar, catalogar todo o mundo sonoro que as rodeia, utilizando depois este mesmo universo sonoro em novos processos criativos, de composição ou improvisação. Em Portugal a Sonoscopia criou uma plataforma dedicada ao armazenamento e catalogação destes sons. Vale a pena visitar: http://www.phonambient.com/
Filipe Lopes, por sua vez criou o Polishphone, um software, mapa sonoro, plataforma criativa, utilizável em qualquer sala de aula que tenha um computador:http://www.filipelopes.net/Software/polisphone.html

T

de tocata e fuga em ré menor. Usada em filmes, videojogos ou como tema base para muito do reportório do rock e do metal, é uma das obras mais emblemáticas de Bach, expoente do período Barroco. Originalmente escrita para órgão, foi alvo de inúmeros arranjos para diversos conjuntos instrumentais. A primeira parte, a tocata, deriva to italiano toccare, tocar; representa uma forma musical para instrumentos de tecla feita para demonstrar o virtuosismo do intérprete. A segunda parte, a fuga, diz respeito a uma técnica de composição muito utilizada no Barroco e na qual Bach era mestre, em que o tema evolui a partir de uma série de repetições que se vão montando como linhas sobrepostas.

U

de underground. Toda a música não comercial, alternativa, que foge às grande marcas e mercados. Liga-se às ideias de criatividade, liberdade de expressão, honestidade e sinceridade.

V

de Vygotsky. Pedagogo Russo, introduzido no mundo Ocidental a partir das traduções feitas dos seus escritos por Jerome Bruner. Percursor da Psicologia Sociocultural cujos conceitos e ideias, apesar de terem sido escritos, maioritariamente, na década de 30, perduram até hoje na investigação e nas práticas educativas. No mundo anglo-saxónio, que domina grande parte da investigação escrita acerca da Educação Musical, é, juntamente com Bruner, autor basilar da recente Cultural Psychology of Music.

W

de Waters, Roger Waters, músico, baixista, e letrista fundador dos Pink Floyd, banda de rock psicadélico até hoje incontornável. The Dark side of the Moon, Wish You Were Here, Animals e The Wall, são alguns dos álbuns que ficam para a posteridade.

X

de Xerazade. Raínha Persa, narradora das mil e uma noites, foi inspiradora de uma série de obras musicais com o mesmo nome, como o poema sinfónico de Rimski-Korsakov, a abertura para orquestra de Ravel ou o ciclo de canções para voz e orquestra, também de Maurice Ravel.

Y

de Youth, Sonic Youth. Banda alternativa, formada em Nova Iorque em 1981. Incorporou uma série de técnicas experimentais e do noise no seu rock duro, muito influenciado pelo punk e pelo hardcore. Influenciou grande parte da minha adolescência e grande parte da minha forma de pensar a música.

Z

de Zorn. Saxofonista, compositor, e improvisador, virou o mundo da música do avesso com o seu estilo free improv. Criou um novo estilo de composição colaborativa baseada na improvisação, uma série de “Peças/jogo” que tocou com músicos como Dereck Baily ou Mike Patton. Criou também aquilo a que apelidou de “música judaica radical”, essencialmente através do grupo Masada. Fundador dos Naked City, onde tocou com alguns dos maiores músicos da cena improv: Bill Frisell, Fred Frith, Joey Baron e Wayne Horvitz.